Akademik

, Эмиль Антуан (Bourdelle, Emile-Antoine) 1861, Монтобан — 1929, Париж. Французский скульптор, живописец, график. Один из крупнейших мастеров монументальной пластики ХХ столетия. Его произведения отличают героический характер образов, мужественная сила, духовное благородство, воплощенное в мощных пластических формах. Бурдель родился в старинном французском городе Монтобане. Среди его родни были резчики по дереву, каменотесы, ткачи, пастухи. Впечатления детства сыграли важную роль в творческом формировании будущего художника. Первым учителем Эмиля Антуана был отец — мастер-краснодеревщик, реставратор антикварной мебели, церковной скульптуры и т. д. С 13 лет Эмиль Антуан начинает помогать отцу: режет из дерева львиные маски, фавнов, амуров, листья аканта для украшения мебели. На талантливого подростка обратили внимание, и при поддержке поэта Э. Пувийона молодого столяра направляют учиться в Тулузу. "После трудного конкурса я получил право на обучение в тулузской Школе изящных искусств. В пятнадцать лет я покинул родной дом… в надежде на славу и удачу… в Школе… я пугал учителей своей одержимостью в работе", — вспоминал мастер. Кроме занятий, он много времени уделяет изучению прекрасной готической архитектуры и скульптуры Тулузы. Получив основательную профессиональную подготовку, молодой скульптор выполняет на заказ портретные бюсты. В 1884 Монтобан и Тулуза выделяют Бурделю стипендию для продолжения образования. Эмиль Антуан поступает в Школу изящных искусств в Париже, в мастерскую скульптора А. Фальгиера. Начинает выставляться в Салоне: Портрет композитора А. Сантиса (1884, Монтобан, Музей Энгра). В 1885 в Салоне "Общества Артист Франсе" экспонирует композицию Первая победа Ганнибала (Монтобан, Музей Энгра). Работа была удостоена почетного упоминания. Недовольный системой преподавания, в 1886 уходит из Школы изящных искусств и начинает работать самостоятельно. "…Лувр, мастера Нотр-Дам, Пюже, Бари — вот мои истинные учителя…" Снимает небольшую мастерскую на Монпарнасе по соседству со скульптором Ж. Далу, среди его друзей поэт-символист Ж. Мореас. В 1890 участвует в выставке в кафе "Клозери де Лила". Критик Ф. Шамсо в статье о выставке особо выделил Бурделя: "…чувствуется, что перед тобой не ремесленник, а поэт". Из письма другу: "Я мечтаю о значительном произведении, создание которого является долгом художника по отношению к искусству и к самому себе… Это будет Адам — наш прародитель… во всей своей первозданной силе и наивности". Так появился Адам (1889, Нью-Йорк, частная коллекция). В статуе Адама скульптору удалось передать ощущение чистоты, ясности, молодости. В композиции, в трактовке объемов чувствуется рука талантливого мастера. В эти же годы творческим воображением Бурделя завладевает образ Бетховена, он будет работать над ним с 1888 до конца своих дней. Сохранилось около 50 скульптурных бюстов, статуй, десятки рисунков, изображающих композитора: Бетховен (1888, Богота, собрание Д. Эшавариа), Трагическая маска (1901, Нью-Йорк, Музей современного искусства), Бетховен на кресте (1929, Университет в Принстоне, Музей искусства) и др. В этих работах Бурдель стремился средствами скульптуры воссоздать образ Бетховена в разные периоды его жизни и одновременно передать тот мощный духовный и эмоциональный заряд, исходящий от его творений. Отсюда особая пластика, исполненная динамики, энергией контрастов, характерной, словно "пульсирующей" фактурой. В 1893 скульптор получает первый большой заказ от своего города Монтобана на Памятник павшим в войне 1870—1871 года (1893—1902). Нервная экспрессия форм и движений, сложная, несколько "сумбурная" композиция, как бы выражающая хаос и безумие войны, искаженные лица — все это после безмятежной ясности Адама воспринимается как скорбный итог истории человеческого рода. В 1893 Роден, известный скульптор, предлагает Бурделю работу в своей мастерской в качестве "пратисьена" (помощник, увеличивающий произведения, переводящий их в камень и т. д.). Сотрудничество с Роденом было важным этапом в творчестве Бурделя, утверждало его веру в высокое предназначение художника, придало его пластическому мышлению эпический размах: "…мой путь стал таким свободным благодаря Родену… Но я всегда хранил в неприкосновенности внутренний закон своего искусства… Роден — гениальный аналитик, я же стремлюсь к синтезу". Задача Родена — выразить в пластике изменчивый мир человеческих мыслей, эмоций, страстей. Бурдель же привержен классике, утверждению вечных этических идеалов, его произведения отличает ясность композиции, четкость силуэта, подчеркнутая архитектоника: "…у хорошего скульптора в кончиках пальцев должны быть все законы математики… знание геометрии…" — писал мастер. Бурделя можно назвать классиком ХХ в., однако его искусство отражает кардинальные идеи и проблемы современности, и для воплощения их он находит новый язык художественных форм. Голова Аполлона (1900, Монпелье, Музей Фабра) — "это первая работа, в которой я выразил законы своего искусства". Мастер часто обращается к античной мифологии и литературе: Афина Паллада (1901, Париж, Музей Бурделя), Пенелопа (1907—1912, Париж, Музей Бурделя; Оттерло, Музей Крёллер-Мюллер). Бурдель писал о Пенелопе: "…так ждут бретонки своих мужей, ушедших в море". Монолитная фигура Пенелопы исполнена величия и благородства. Ее руки, сложенные на груди, словно ограда, — выраженный пластикой символ затворничества и ожидания. Поза женщины кажется статичной, подчеркивая идею непоколебимой верности, но все объемы пронизаны внутренним движением. В отличие от изысканной грации статуй классицистов XVIII—XIX вв. у Бурделя формы отличаются мощью, они весомы и монументальны, но при этом его произведениям присуща особая мужественная красота и гармония. Трагедия противоречий ХХ в. воплощена в Умирающем кентавре (1914, Париж, музей Пти-Пале); сложный и возвышенный мир человека-творца раскрывается в статуе Сафо (1925, Цюрих, Кунстхауз) — древнегреческой поэтессы; образ человека, охваченного волевой, победоносной жаждой действия, отражен в Геракле (1909, Антверпен, Музей Миддельхейм). Кристаллическая отточенность силуэта, динамизм и ясная четкость композиции, великолепно вылепленное мускулистое тело героя, ощущение стремительного порыва, пронизывающего все его формы, — все это сделало Геракла (бронзовые повторения многих работ Бурделя находятся в разных музеях) одним из самых прославленных произведений скульптуры ХХ столетия. Дар Бурделя-монументалиста ярко проявился в созданных им памятниках: Поэт Мицкевич (1909—1929, Париж), Мадонна Эльзаса (1919—1922, Эльзас, Нидерсбрюк), Франция (1925, Париж), Генерал Альвеар (1912—1923, Буэнос-Айрес). Особенно хороши статуи, олицетворяющие Силу, Победу, Свободу и Красноречие, стоящие по углам цоколя памятника Альвеару. Редко кому из художников ХХ столетия удавалось с таким совершенством воплотить в искусстве героический идеал современности, создать образ человека, исполненного благородства, мужества, духовной и телесной красоты. Эти фигуры были впоследствии отлиты отдельно и ныне экспонируются во многих музеях и частных коллекциях. Бурдель считал, что "после готики развитие скульптуры, какими бы гениями она ни была представлена, идет по нисходящей линии". Причину упадка он видел в распаде синтеза искусств: "…скульптура должна быть привита архитектуре, как делают прививку дереву…". Возродить утраченный синтез он пытался в декоративном оформлении Театра Елисейских Полей (1910—1913, архитектор О. Перре). Мастер выполнил скульптурный фриз Медитация Аполлона и музы; пять отдельных композиций: Архитектура и скульптура, Танец, Комедия, Трагедия, Музыка на фасаде (все — камень, рельеф); в интерьере — около шестидесяти композиций в технике фрески. Бурдель — автор глубоких и выразительных портретов: Энгр (1908—1909, Стокгольм, Нац. музей), Рембрандт (1909, Каракас, Музей изящных искусств), Роден (1909, Париж, Музей Родена), Анатоль Франс (1919), Огюст Перре (1922, оба — Париж, музей Орсе) и др. Портретные бюсты отличают героизация образа, стремление передать мощь интеллекта, значительность внутреннего мира изображаемого человека, что подчеркивается монументальностью в трактовке форм. Бурдель был одним из лучших рисовальщиков своего времени, владея искусством несколькими штрихами и линиями обрисовать характер модели. В серии рисунков, посвященных известной танцовщице Айседоре Дункан, мастеру удалось передать стремительность и грацию движений, полет, саму душу танца.