В период средневековья театральные здания не строились. Представления литургической драмы устраивались в храмах, позже на папертях, в XIV-XVI вв. (как и постановки моралите в XV-XVI вв.) - на площадях и улицах городов на временных подмостках или повозках. В эпоху Возрождения строительство театров возобновилось сначала в Италии, затем в других странах. Возводились закрытые театры с глубоким сценическим пространством. В XVI в. была создана "перспективная сцена", состоящая из невысокого игрового помоста по всей ширине зала, фоновой части для сменных щитов и задника с постоянными перспективными изображениями улиц и площадей. Пол был наклонным. Зрители располагались в орхестре и амфитеатре (театр Олимпико в Виченце, 1580-85, архитекторы А. Палладио, В. Скамоцци). В XVII в. впервые появилась сцена с порталом, щитовыми кулисами и сменными задниками (театр Фарнезе в Парме, 1618, архитектор Дж. Б. Алеотти). С развитием оперы в первой половине XVII в. для создания лучшей акустики и видимости начали сооружать театры с ярусными галереями (вначале непрерывными, позже разделёнными перегородками на ложи). Усовершенствовалось техническое оснащение сцены, вводились дополнительные помещения для зрителей (фойе, вестибюль). Наиболее совершенный образец итальянского театра - театр "Ла Скала" в Милане (1778, архитектор Дж. Пьермарини). В конце XVI в. в Англии возник тип театрального здания, в котором сочетались элементы античного (орхестра, ярусы для зрителей) и средневекового (подмостки) театра (театр "Глобус" в Лондоне, 1599). Существовали также небольшие частные крытые театры с четырехугольными залами и сидячими местами в орхестре. Во второй половине XVIII в. начал складываться так называемый французский тип театра с круглым залом, окружённым на три четверти периметра открытыми, неразделёнными на ложи ярусами, опирающимися на колонны большого ордера; в партере устанавливались кресла для привилегированных зрителей (Большой театр в Бордо, 1773-80, архитектор В. Луи). Театры строились как парадные общественные здания с колоннами, портиками, монументально-декоративной скульптурой и нередко образовывали нарядные ансамбли с окружающими зданиями. Интерьеры театров пышно украшались в духе господствующих художественных стилей (театр Гранд-Опера в Париже, 1875, архитектор Ш. Гарнье). В XVIII-XIX вв. в Европе и Америке использовался преимущественно так называемый итальянский тип, в России строились театры как итальянского (Большой театр в Москве, Александрийский театр в Петербурге), так и французского (усадебный театр в Останкине) типов. В последней четверти XIX в. с дифференциацией театральных жанров на драматический и музыкальные (опера, балет, оперетта) и потребностью в более демократической структуре театрального здания связано появление нового типа театра - с секторальным залом (амфитеатр без партера и ярусов). В первые десятилетия XX в. появились театральные здания без глубинной "сцены-коробки", со зрительным залом и открытой сценической площадкой (Большой театр в Берлине, 1915, архитектор X. Пёльциг), а также типы театра с амфитеатральным залом и с так называемым аудиторным залом, в которых амфитеатр или партер дополнены одним или несколькими нависающими над ними балконами.
В СССР строительство театров началось с 30-х гг. Они были рассчитаны на синтетические представления различных театральных жанров. Был распространён тип театра с пологим амфитеатром в круглом или секторальном зале (Большой театр в Минске, 1935-37; Театр оперы и балета в Новосибирске, 1931-45). Во второй половине 40-х - первой половине 50-х гг. строились небольшие театры с полукруглым либо прямоугольным в плане залом с партером и двумя балконами или с амфитеатром и одним балконом. Архитектура этих театров до середины 30-х гг. испытала влияние конструктивизма (Драматический театр имени М. Горького в Ростове-на-Дону, 1930-35, архитекторы В. А. Щуко, В. Г. Гельфрейх), затем архитекторы обращались к использованию наследия русского и мирового зодчества, а также национальных художественных традиций (Большой театр оперы и балета имени А. Навои в Ташкенте, 1940-47, архитектор А. В. Щусев).
С 60-х гг. в советской и зарубежной архитектуре началась разработка различных новых типов театрального здания. Наряду с театрами, имеющими традиционную сцену-коробку (новое здание МХАТа, 1972), строятся театры с открытой сценической площадкой, окружённой местами для зрителей с трёх (Ленинградский театр юных зрителей, 1962) или четырёх (Театр "Арена Стейдж" в Вашингтоне, 1961) сторон, с кольцевой сценой и вращающимся амфитеатром (театр в Версале, 1960), с комбинированной сценической площадкой (глубинной, трехсторонней панорамой) в различных сочетаниях (Драматический театр имени М. Горького в Туле, 1970).
Открытые театры с партером или амфитеатром на земляном холме и сценой, обрамлённой кулисами из зелёных насаждений, обычно устраивались в парках дворцов и вилл с конца XVII в. (амфитеатр в Павловске, 1793). С конца XIX в. открытые театры двух типов (с открытой и закрытой сценой) строятся при учебных заведениях и особенно часто в общественных парках (Зелёный театр в Центральном парке культуры и отдыха имени М. Горького в Москве, 1928). В СССР открытые театры построены также в Баку, Сочи, Ялте и других городах.
Детский музыкальный театр на проспекте Вернадского в москве. 1979. Архитекторы А. П. Великанов, В. Д. Красильников.
Литература: Г. Б. Бархин, Архитектура театра, М., 1947; В. Е. Быков, Архитектура открытых театров, М., 1954; В. М. Виноградов, Театральные здания вчера, сегодня, завтра, М., 1971; Schubert H., Moderner Theaterbau, Stuttg.-Bern, 1971.
«Актёры с масками». Вазопись. Кон. 5 в. до н. э.
В. Г. Перов. «Портрет драматурга А. Н. Островского». 1872 г. Государственная Третьяковская галерея. Москва
А. Я. Головин. «Портрет режиссёра В. Э. Мейерхольда». 1917 г. Государственный театральный музей. Санкт-Петербург
Истоки театра – в древних священных игрищах, массовых народных обрядах и празднествах. Из священных празднеств в честь бога Диониса родился древнегреческий театр, в котором уже возникли главные драматические жанры – трагедия (Эсхил, Софокл, Еврипид) и комедия (Аристофан). Трагедия – вид драмы, в основе которой лежат неразрешимые противоречия, столкновения личности с роком, миром, обществом, выраженные в форме напряжённой борьбы сильных характеров и страстей. Трагическая коллизия обычно разрешается гибелью главного героя. В комедиях действия и реплики героев производят смеховой эффект. В первых драмах на сцене играл только один актёр, действия которого «комментировал» хор со своим предводителем – корифеем. Позднее на сцене взаимодействовали три и больше персонажей, произносивших монологи и диалоги. Актёры играли в масках. Меняя маски, один и тот же артист мог становиться то Ахиллом, то прекрасной Еленой (женские роли исполняли мужчины). Чтобы маски можно было разглядеть издали, их делали огромными, больше человеческой головы. Улыбка или горестное выражение сразу позволяли отличить трагическую маску от комической. Чтобы казаться выше ростом, актёры привязывали к ногам котурны (скамейки).
В Средние века были популярны представления площадного театра (мистерии, фарсы), исполнителями в которых были, как правило, бродячие актёры (жонглёры, скоморохи и др.). На основе образов площадных представлений в эпоху Возрождения возник первый профессиональный театр – итальянская народная комедия дель арте (комедия масок). Спектакли комедии дель арте создавались методом импровизации на основе сценария, в них нашли продолжение традиции народного фарса и карнавальных празднеств. Со сцены звучали хорошо знакомые зрителям народные песни и мелодии, шутки и поговорки. В комедии дель арте, как и в античных спектаклях, действовали персонажи-маски, однако их состав стал намного разнообразнее: зрители узнавали по характерному костюму и поведению ловких и остроумных слуг Бригеллу, Арлекина, Пульчинеллу; глупого жадного купца Панталоне, фанфарона и труса Капитана, болтливого невежественного Доктора, назойливого педанта Тарталью и др. К образам комедии дель арте до сих пор обращаются режиссёры (спектакль «Принцесса Турандот» Е. Б. Вахтангова по пьесе К. Гоцци и сегодня идёт в театре). С эпохи Возрождения театр постепенно становится литературным, тяготеет к оседлому существованию в городских культурных центрах. Начинают возводиться специальные театральные здания, появляется авторская режиссура. Кроме бродячих трупп, создавались стабильные актёрские товарищества (шекспировский театр «Глобус» в Лондоне и др.). Возникли многочисленные придворные театры.
На рубеже 16–17 вв. наряду с драматическими спектаклями появляются первые оперы; в кон. 18 в. зарождаются балет, водевиль (вид «комедии положений» с песнями-куплетами, романсами и танцами) и мелодрама (пьесы с острой интригой, резким противопоставлением добра и зла и преувеличенной эмоциональностью); в сер. 19 в. – оперетта. Новый подъём театрального искусства происходит в эпоху классицизма, когда драматурги (П. Корнель, Ж. Расин во Франции; П. А. Сумароков, Я. Б. Княжнин в России) выводят на сцену героев, приносящих свои чувства и желания в жертву общественному долгу. В спектаклях утвердился принцип единства места, времени и действия. Актёрская игра была основана на музыкально и поэтически выверенной декламации, изъяснении «высоким стилем», не допускавшим просторечных выражений, на строгой лаконичной пластике жестов и поз. Приподнятость, отвлечённость, монументальность определяли форму спектакля, в котором, на фоне живописной перспективной декорации, на узком просцениуме, строились статические, симметричные мизансцены. В результате деятельности Ж. Б. Мольера, осуществившего реформу классицистической комедии, на сцене появились образы простых людей из народа; актёры стремились передать искренность переживаний персонажей пьесы.
В России театральные постановки для придворного круга, осуществлявшиеся западноевропейскими труппами, известны с 17 в. Национальный театр появился в сер. 18 в. Его создателем принято считать актёра и режиссёра из Ярославля Ф. Г. Волкова. Русский театр переживает расцвет в первой пол. 19 в., в эпоху романтизма, в творчестве трагических актёров Е. С. Семёновой, А. С. Яковлева. П. С. Мочалова. Традиции романтизма позднее сосуществовали в театре с реализмом, часто сочетаясь в игре артистов (М. Н. Ермолова). Реализм, стремившийся к созданию типических характеров в типических обстоятельствах, господствовал в театре с сер. 19 в. (актёры М. С. Щепкин, А. П. Ленский, П. А. Стрепетова, В. Н. Давыдов, М. Г. Савина; драматурги Н. В. Гоголь, А. Н. Островский, И. С. Тургенев, А. В. Сухово-Кобылин, Л. Н. Толстой, А. П. Чехов, М. Горький и др.). Режиссёры К. С. Станиславский и В. И. Немирович-Данченко в спектаклях Московского художественного театра (МХТ) всеми средствами постановочной выразительности, через новую манеру актёрской игры, введение подтекстовых пластов действия и т. д. выявляли внутренний драматизм обыденного существования, боролись с социальной несправедливостью. В этот период начала складываться и применяться как метод воспитания актёра и создания сценического образа т. н. система Станиславского, разработка которой продолжилась в советское время. Экспериментальный характер носила режиссёрская деятельность В. Э. Мейерхольда, стремившегося соединить авангардные методы с древними традициями народного балагана, скоморошьих представлений и т. д. В актёрском искусстве обозначились два направления: тончайший психологизм (актёры МХТ В. Ф. Комиссаржевская, П. Н. Орленев, М. А. Чехов) и синкретичность сценического мастерства, стремление вывести театральное действо навстречу зрителю (московский Камерный театр во главе с режиссёром А. Я. Таировым и актрисой А. Г. Коонен). Крупнейшими режиссёрами 20 в. стали также Е. Б. Вахтангов, Г. А. Товстоногов, В. Н. Плучек, Б. А. Бабочкин, О. Н. Ефремов, А. В. Эфрос, Ю. П. Любимов, Р. Стуруа и др.; актёрами – Б. Н. Ливанов, А. Н. Грибов, Н. К. Симонов, Н. К. Черкасов, М. А. Ульянов, Ю. К. Борисова, И. М. Смоктуновский, Е. А. Лебедев, К. Ю. Лавров, С. Ю. Юрский, А. Б. Фрейндлих, Т. В. Доронина, А. С. Демидова, В. Артмане, Д. Банионис, А. Адомайтис и многие др. Большой общественный резонанс имели пьесы В. С. Розова, А. М. Володина, А. Н. Арбузова, А. П. Штейна, А. В. Вампилова, И. М. Дворецкого, А. Е. Макаёнка, И. П. Друцэ и др.).
.